ARTE CONTEMPORÁNEO

El estilo de la época inmediatamente pasada.

Walter Benjamin dixit

Es preciso analizar la tarea poética como prerrequisito de la evaluación del poema. Tal evaluación no podrá regirse por la manera en que el creador realizó su tarea, sino que estará mas bien determinada por su rigor y alcance. Tal es así que la tarea se deriva del poema mismo, y debe, asimismo, entenderse como prerrequisito de la creación, como estructura espiritual y concreta del mundo al que la poesía sirve de testimonio. Y aquí habrá que comprender dicha tarea, dicho prerrequisito, como razón última accesible al análisis. Se prescindirá de los antecedentes de la creación lírica, de la persona o de la concepción del mundo del creador. Sólo se tratará la esfera especial y singular que alberga a la tarea y es prerrequisito del poema. Y dicha esfera es, a la vez, producto y objeto de la investigación. De por sí deja de ser comparable al poema mismo. Es, en realidad, lo único constatable de la investigación. Esta esfera, que adopta una figura particular para cada composición poética, debe señalarse como lo poetizado. En ella puede circunscribirse el ámbito específico que contiene la verdad de la composición. Esta “verdad”, tan insistentemente reivindicada en sus obras por los artistas más rigurosos, debe entenderse como la objetividad de su creación, como la culminación de la antedicha tarea artística. “Toda obra de arte tiene un ideal a priori, una intrínseca necesidad de estar presente” (Novalis) Lo poetizado es, en su forma general, la unidad sintética del orden espiritual y concreto. Esta unidad cobra su figura particular en tanto forma interior de la creación particular.

Lo poetizado se muestra, entonces, como transición que va de la unidad funcional de la vida a la del poema. En ella la vida se determina mediante el poema, así como la tarea por su solución. El fundamento no radica en la disposición vital del artista, sino en un contexto vital determinado por el arte. Las categorías que hacen a esta esfera (…) no están prefabricadas. Quizá la mejor aproximación a ellas esté en los conceptos de mito. Los logros más pobres del arte se refieren precisamente al sentimiento inmediato de la vida, en tanto los más espectaculares, desde el punto de vista de su veracidad, tienen que ver con una esfera emparentada con el mito: lo poetizado (…) que posibilita la apreciación de la poesía, en términos de asociatividad y grandeza de sus elementos.” (…) La vida es el más remoto fundamento de lo poetizado. (…) La poetización pura dejaría de ser un concepto límite: sería vida o poema.

ARTE ACTUAL / BIBLIOGRAFÍA Y DOCUMENTOS

A partir de ahora estaré subiendo aquí algunas de las referencias bibliográficas que han sido y serán citadas a lo largo de los cursos sobre arte actual. En la sección LESSONS DÓNDE del blog hay un listado somero de enlaces a páginas que contienen información, archivos y documentos relativos (entre ellas, UBU es imprescindible), así como algunas páginas sobre fotografía (como LensCulture), performance (como Performancelogía) y videoarte (como EAI). También algunas bibliotecas virtuales, como Libros Colgados, Bibliotheka o Libros de arte.  Desde todos ellos se puede acceder a una gran cantidad de sitios que alojan audio, video y documentos. Uno de los mejores lugares para descargar en buena calidad discos de música académica del siglo XX es el blog El resto es ruido. La sección de audio de UBU también aloja una gran cantidad de materiales. Desde Open Culture se puede acceder a muchas páginas que contienen films históricos disponibles para ver online y/o descargar. Muchas películas fundamentales están disponibles, en partes o completas, en Youtube y en Internet Archive, una de las páginas más atractivas de la web, que aloja también muchos documentos y libros en PDF (generalmente copias de ediciones originales a modo de fascímiles) muy difíciles de encontrar; valga como ejemplo el rarísimo On the laws on japanese painting, un libro de Henry Bowie publicado en Inglaterra en 1920 tras muchos años de investigación y estudio con maestros japoneses.

1) Manuales de historia del arte de posguerra

EL ARTE ÚLTIMO DEL SIGLO XX es un manual de Anna María Guasch (Alianza, 2000) subtitulado “del posminimalismo al multiculturalismo” que historiza el arte de posguerra desde una perspectiva clásica y hegemónica. Nombra algunos artistas latinoamericanos fundamentales (especialmente de Brasil). Termina con una mirada academicista al arte último del siglo XX en un marco de estudios de género.

El COMPANION, el mejor manual que conozco sobre arte contemporáneo imperial.

After Modern Art 1945-2000, de David Hopkins. Un recomendable ensayo sin condescendencias.

Contemporary Art – A Very Short Introduction

2) Documentos e historias del arte del siglo XX

Avant Garde Chronology es una cronología de la Vanguardia Europea entre 1900 7 1937, compilada por Chris Michaelides con contribuciones de curadores de colecciones europeas y estadounidenses. Es interesante porque los acontecimientos que lista no suelen ser analizados en otros textos sobre el tema y muchos son casi desconocidos en los programas sudamericanos: eso se debe a que lo que ocurría entonces en el Imperio Austrohúngaro dejó de ser céntrico luego en muchas historias del arte europeo, y eso afectó a manifestaciones, movimientos y acontecimientos que ocurrian por entonces en Europa Central y del Este que prefiguraron sucesos posteriores en Francia, Alemania y Estados Unidos, por no hablar de Latinoamérica. Una especie de modernidad periférica al revés.

EL TEATRO Y SU DOBLE de Antonin Artaud (aquí en traducción española) fue publicado en París por Gallimard, en 1938. Una de las obras más influyentes del autor, marcó todo el desarrollo de las artes escénicas del siglo XX. Tal como fue leído por grupos de teatro experimental en los años 50 como el Living Theatre de Nueva York, El teatro y su doble es uno de los textos que apuntalaron la difuminación de los parámetros teatrales que desembocaron o confluyeron en la autonomización del arte de performance en los años 60. No es la única historia (Yves Klein sigue otro camino, por ejemplo), pero discutir este texto ya bélico es una manera de ir al fondo ético y antiintelectualista de ciertas manifestaciones del arte de performance como el Accionismo vienés o la obra de Gina Pane.

Sin La sociedad del espectáculo no se entiende nada. Films y otros opúsculos de Guy Debord son fácilmente accesibles, por ejemplo vía el Archivo Situacionista Hispano. Y no olvidar Marxists.org.

Conceptual Art,  A critical anthology (MIT Press, 1999).

3) Teoría del arte

Teoría de la Vanguardia, de Peter Bürger, se publicó en alemán en 1974 y fue inmediatamente influyente. Una de las tesis más discutidas del libro afirma que la “nueva” vanguardia de la posguerra está condenada al fracaso, ya que los gestos que la Vanguardia utilizó para derruir los límites entre arte y praxis vital no sólo fracasaron en el contexto de esos mismos proyectos, sino que en la actualidad no son más que repeticiones institucionalizadas y por tanto inanes. Entre los que discuten a Bürger se encontraban muchos de los teóricos que elaboraron el término “neo-vanguardia” en Estados Unidos y que defendieron, teorizaron y acompañaron el desarrollo de las prácticas del arte conceptual desde fines de los 60, como Benjamin Buchloh (aquí, su ensayo fundamental sobre el Arte conceptual en sus inicios) y Lucy Lippard (aquí, su clásico ensayo sobre la “desmaterialización del arte”). Una introducción a estos problemas mas teóricos que historiográficos puede leerse en este ensayo de Víctor del Río titulado EL CONCEPTO DE NEOVANGUARDIA EN LOS ORÍGENES DE LAS TEORÍAS DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

Estética De La Emergencia es un libro escrito por el rosarino Reinaldo Laddaga y publicado por Adriana Hidalgo. Analiza formaciones del arte actual sostenidas en nuevas modos de producción de imágenes vinculadas al contexto, el activismo y la intervención a gran escala.

Estética Relacional, de Nicolás Bourriaud, es un ejercicio de construcción de sentido de ciertas prácticas artísticas centrales (el autor lo escribe desde su experiencia como curador en París) que se formalizaron en los años 90 en Europa y que luego se convirtieron en académicas, llamadas arte relacional. El modo en que esto sucedió no sólo habla de ciertas condiciones materiales de producción actuales sino también de a intercambiabilidad de contenidos para formas idénticas que caracterizó el arte contemporáneo. A su vez, las prácticas relacionales son sustento o comienzo de desarrollos ulteriores más complejos, especialmente donde esta teoría prendió fuerte por cierta tendencia interior de los contextos locales, como es el caso de Latinoamérica en general, donde experiencias y poéticas similares atravesaron todo el siglo XX con enorme fuerza.

4) Estética y filosofía del arte

El segundo tomo de la Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas editado por Valeriano Bozal y publicado por Visor (Madrid) en 2000.

Historia De Seis Ideas de Wladyslaw Tatarkiewicz (la primera edición polaca es de 1976 y la primera española de 1987) está estructurado a modo de manual clásico de estética utilizando como ejes los conceptos de arte, belleza, mímesis, creatividad, experiencia estética y forma. La primera sección, dedicada a la historiografía y discusión de la idea de arte es admirable. Tras discutir una serie de definiciones que utilizan como material alguna de las otras cinco ideas, aventura:  “Una obra de arte es la reproducción de cosas, la construcción de formas, o la expresión de un tipo de experiencias que deleiten, emocionen o produzcan un choque”. Consultar, en este punto, el primer capítulo del libro de la argentina Elena Oliveras Estética, la cuestión del arte, disponible en Scribd.

5) Bibliografía específica: 

5.1) Arte de Performance

The Art of Performance, A Critical Anthology es un colección de artículos de teoría e historia del arte de performance editado en 1984 por Gregory Battcock y Robert Nickas

Performance como linguagem es un libro del investigador brasileño Renato Cohen, que también publicó un trabajo sobre Work in process in la escena contemporánea, más enfocado en el teatro. Editado en 1989 por la Universidad de San Pablo, lleva como subtítulo “la creación de un un tiempo-espacio de experimentación”.

Performance art de Roselee Goldberg, editado a fines de los años setenta, es el primer clásico de la historia de la performance. Su principal interés es el intento de historizar el lenguaje del arte de performance como un desarrollo de algunas de las propuestas de la Vanguardia. Discutible siempre precisamente por the lack of modernism de ese acercamiento, y confuso al final (cuando se vuelve un listado de expresiones contemporáneas a la redacción del libro) su lectura sigue siendo imprescindible.

After Criticism: New Responses to Art and Performance es una compilación de artículos publicada en 2004 que, por una parte, propone nuevas historias, bastante previsibles en tanto académicas y contemporáneas (lo que no impide que destilen nuevos datos e interpretaciones), del arte del siglo XX y particularmente de su preeminencia performativa. Los ensayos en sí mismos también representan, desde su concepción y escritura, un repertorio de modelos ensayísticos muy representativo de las tendencias (académicas) actuales. Por otro lado, es interesante porque parte de la premisa de la actual crisis de la crítica, y propone algunas explicaciones y herramientas en esa línea.

5.2) Fotografía

Cottonthe Charlotte: Photograph As Contemporary Art es una aproximación a las relaciones entre la fotografía y las artes visuales en la contemporaneidad. Publicado en 2004.

Roland Barthes – La Camara Lucida  Un clasico de la teoría de la fotografía y uno de los libros más legibles de Barthes.

La Pequeña historia de la fotografía (1931) y La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica (1936), de Walter Benjamin.

La Historia de La Fotografía de Beaumont Newhall. Una de los mejores resúmenes, publicado en 2002 por GiliGaya, aquí hasta la página 173: desde los orígenes técnicos a Paul Strand.

Quand j’tais photographe, la autobiografía de Nadar (en francés)

5.3) Pintura

La pintura en el siglo XX (1900-1974), de Jorge Romero Brest : el antídoto adecuado. Al principio, algunas observaciones muy inteligentes sobre crítica de arte.

5.4) Videoarte

ARTE E IMAGEN EN MOVIMIENTO Publicación de la muestra Primera generación. Arte e imagen en movimiento, 1963-1986, realizada en el Museo Reina Sofía de Madrid en 2007. Artículos, ensayos y análisis de obras, artistas y movimientos que signaron los inicios del videoarte.

5.5)

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TALLER/ PARADIGMAS DEL ARTE ACTUAL

CAMBIAR AL MUNDO: EL ARTE ACTUAL / 1

Esta serie de entradas compila materiales de apoyo, referencias y resúmenes de las clases dictadas en el Centro Cultural Barradas los sábados de 11 a 13 hs y los jueves de 19:15 a 21:15 en el marco del curso/seminario Cambiar al mundo: el arte actual. Los documentos audiovisuales y las imágenes que sean fácilmente accesibles en la web serán representadas solamente mediante un ejemplo, referencia o enlace. Cada clase toma como punto de partida una imagen que se configura argumento de su desarrollo.

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Imagen de partida: Pablo Picasso, Buste de femme, 1943. Óleo sobre tela, 100 x 80cm

Introducción: una historia y una serie de problemas que atravesarán el curso. Picasso en Palestina: un resumen de problemas y lugares comunes de las prácticas artísticas actuales: movilidad, academicismos, institucionalidad, usos políticos (“Palestina está en el mapa (…) Esto significa e ilustra nuestra preparación para tener un Estado propio”, señaló Fayyad en el acto de presentación. El director del museo Van Abbe, Charles Esche, expresó lo mismo, pero de otra manera: “Una de las formas de afectar a la ocupación es comportarse como si hubieras de hecho superado la ocupación. Quizá este proyecto es uno de los primeros pasos hacia esa meta de establecer un museo de arte contemporáneo en Palestina”),  cháchara, documentación como objeto de muestra, modos de exhibición, contextualización.

Análisis de imágenes:  Picasso en Palestina (artículo en Afterall)

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———- Obra y espectador: Thomas Struth (1954): video documental (cf. http://thomasstruth25.com/) / Jorge Francisco Soto en el Museo Blanes

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 Análisis de texto: Picasso in Palestine_Esche

———–Modernidades periféricas: el caso hindú

V.S. Gaitonde (1924-2001):

Artículo en Wikipedia

Artículo en el blog de Debu Barve

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Nashreen Mohamedi (1937-1990):

Entrada en Iniva, y galería de imágenes

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Geeta Kapur(1943)

Entrada en Iniva

Artículo en Wikipedia

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Una tesis de Lotte Betting: An exploration of Geeta Kapur’s dialectical synthesis in the context of the oeuvres of Nasreen Mohamedi and Alwar Balasubramaniam

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————- Regreso a Palestina:

Tracey Rose (1974, http://en.wikipedia.org/wiki/Tracey_Rose)

Performance en Israel

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————- Arte público y academicismos contemporáneos

Material de apoyo:  Nicolás Bourriaud, Estética Relacional y Félix Duque, Arte público y espacio politico (2001)

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Khaled Hourani (1965), el “autor” del traslado del Picasso a Palestina y su obra Allah Mahaba (2007)

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Una artista en residencia en Palestina: Susanne Bosch (1967) y esquemas de presentación y exhibición de arte público:

Informe de Susanne_Bosch_sobre su residencia en Ramallah y su viaje a Palestina

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Krzysztof Wodiczko (1943)

Video sobre su obra

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Nota: El modelo de Joseph Beuys

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———— El cine palestino (cf. Arab fillmakers of the Middle East: a dictionary) y la historia opuesta al viaje del Picasso:

Mustafa Abu Ali (1940-2009), They do not exist (1974) y su proyección en Jerusalem: relato en UBU Web

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Elia Suleiman: Divine Intervention (2002): un ejemplo de cine palestino contemporáneo en diálogo con el video arte de los 90s (Nota: Martín Sastre y Miss Tacuarembó): lectura comparada.

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————-The Atlas Group: el documento, el achivo y sus ficciones

Página de The Atlas Group

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————- Absalon (Meir Eshel, 1964-1993)

Reseña e imágenes de una muestra póstuma de Absalon

Ensayo sobre Absalon de PhilippeVergne

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CAMBIAR AL MUNDO: EL ARTE ACTUAL

Taller dirigido a estudiantes y docentes de artes, historia del arte, música y humanidades.
Docente: Francisco Tomsich

Descripción:
Cambiar al mundo: el arte actual propone un acercamiento a los principales problemas que enfrenta el arte actual y sus espectadores, usuarios y estudiosos a través de imágenes, documentos audiovisuales, conciertos y presentaciones de obras, textos, ejercicios prácticos y reuniones con artistas de diversas disciplinas.
Cada encuentro se desarrolla como un diálogo centrado en una obra, idea, género o tema significativo en la práctica artística actual, y se privilegia la comprensión del mismo a través del estudio de las historias de las artes en la segunda mitad del siglo XX. El principal objetivo es potenciar el uso de ese conocimiento como herramienta pedagógica en la enseñanza de las artes y humanidades. El uso extensivo de páginas web y bases de datos en Internet apunta a ofrecer materiales y documentos de fácil acceso para la formación permanente y la investigación.

Lugar: Centro Cultural Barradas, Prado
Frecuencia: dos horas semanales.
Horarios: (dos grupos diferentes):
Jueves de 19:15 a 21:15 PM
Sábados de 11:00 AM a 13:00 PM
Inicio:
Sábado 17  de setiembre de 2011 (Grupo 1)
Jueves 22 de setiembre (Grupo 2)
Duración: 3 meses (hasta diciembre de 2011)
Cupo: 20 personas por grupo.
Costo mensual: $ 900
Por informes e inscripciones:
Espacio Barradas: 23360471 (María Vico y/o Laura Madera, de lunes a viernes de 10:15 a 15:45 hs.
Librería del Museo Blanes: 23367134 (Rocío García y/o Maura, martes a domingos de 14:00 a 18:00 hs.
mapilar@chasque.net (se enviará un formulario)

Ejes:
Arte moderno, arte contemporáneo, arte actual: frases hechas y lugares comunes. La noción de avant-garde como herramienta operativa. Fuentes digitales, archivos, bases de datos. Introducción a la historia de los géneros, soportes y medios del arte actual (instalación, intervención, performance, video, etc). Los géneros, medios y soportes tradicionales en el arte actual. Paradigmas de las artes de posguerra. Temas y problemas del arte de posguerra y su influencia en las prácticas actuales. El realismo socialista y los realismos como utopías. La relación entre arte y fotografía. El arte “global”. El saqueo de arte y la puesta en escena de la historia del arte. Los mercados del arte. La disolución de las disciplinas. El arte de redes. Los colectivos artísticos. Cambiar al mundo: nociones de arte político, arte relacional y arte actual basado en proyectos colaborativos, disolución de la autoría y producción de identidad y confrontación, y su crítica (la noción de mundo como ajenidad, la autonomía del arte como herencia problematizada y la relación entre arte y conocimiento). Los círculos de las artes. Los grandes temas del arte y su tratamiento por parte de las prácticas actuales: muerte, tiempo, espacio, naturaleza, yo, dios.

Kanhweiler dixit

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Todos los estilos en pintura provienen de pictogramas.

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Robert Frank dixit

 

Llega un momento en que ya no se trata de si el arte está Aquí, en un volumen inmaculado, o Allí, en una pared inmaculada, en una categoría o género seguro; sino de un arte que se ha convertido en parte de lo que ves en el mundo. Ya no miras simplemente (hacia arriba, hacia afuera) el arte; está dentro de tí como una lámpara que ilumina todos los detalles diseminados en lo que si no sería una oscuridad no mitigada. Ya no eres tú sin su memoria.

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Goethe dixit

La misión fundamental de todo arte es producir por la apariencia la ilusión de una realidad más alta. Y es un empeño equivocado el que lleva a ajustar de tal modo la apariencia a lo real que al cabo no se produce más que una baja realidad.

Zygmunt Piotrowsky dixit

Artistic freedom es nonsense. Artists create for other people, their mission isn´t to make the world more beautiful, but understand and create it.